La nuit, le jeune Ama et sa bande voyagent dans la brousse de Boli Bana. Des bêtes immenses et bienveillantes les accompagnent. Ils se jaugent, se cherchent, s’apprivoisent.

Le jour, la jeune Aissita est l’attention du village de Boli Bana. Une sorcière est venue pour un rituel : Aissita entre dans l’âge adulte.

A travers les yeux de ces enfants se dessine l’histoire d’un monde nomade et mystique. Une enfance peulhe au Burkina Faso.

Pendant 2 ans, le réalisateur belge Jérôme Le Maire a suivi les membres de l’unité chirurgicale dans l’un des plus grands hôpitaux de Paris. Ce bloc opératoire ultraperformant fonctionne à flux tendu : 14 salles en ligne ayant pour objectif de pratiquer chacune 8 à 10 interventions par jour.

L’organisation du travail, bien qu’extrêmement sophistiquée, est devenue pathogène. Le personnel médical et paramédical courbe l’échine. Stress chronique, burn-out, et risques psychosociaux gangrènent l’hôpital. Chirurgiens, anesthésistes, infirmiers et aides soignants, mais aussi cadres, gestionnaires, et directeurs sont pris dans une course effrénée qui semble sans fin.

Consciente de ce problème, l’administration a commandé un audit sur l’organisation du travail afin de tenter de désamorcer le début d’incendie.

Burning Out est une plongée au cœur du travail et de ses excès, quand il y a surchauffe et que l’embrasement menace. Il veut comprendre l’incendie contemporain, ce trouble miroir de notre société, qui affecte celle-ci jusque dans ses hôpitaux.

A travers le destin tragique d’un défenseur des droits de l’homme en Ukraine, sa demande d’asile en France et sa mort présumée, la réalisatrice s’interroge sur son expérience cinématographique inattendue et sur ce qui s’est vraiment passé entre eux deux.

Entre enquête policière et thriller psychologique, le film questionne les énigmes d’un homme aux multiples identités, toujours prêt à disparaître pour renaître ailleurs. Deux mystères se touchent dans le film : celui du personnage et celui de la réalisatrice. Quelle est sa responsabilité de documentariste face au sujet qu’elle filme ? Et faut-il mettre en scène sa vie pour supporter sa condition d’être au monde ?

Entre les couloirs des serres d’un monde sous plastique, se dessinent de petits bidonvilles où vivent hommes et femmes ayant traversé la mer en quête d’une vie meilleure.

Au cœur de cet  Eldorado à bout de souffle, chacun tente de recoller les débris d’un monde semblant à jamais perdu.

Les jours s’écoulent au rythme des nouvelles, des papiers, et du travail qui tarde à venir. Les petits gestes du quotidien raccrochent les hommes au fil du temps étouffant leur colère.

Comment filmer sa propre mort ? Comment la mettre en scène ? Au premier abord cela peut faire sourire et pourtant cette question concerne tout un chacun, même si l’on n’est pas cinéaste.

Arrivé à un âge où l’on commence à faire ses valises pour l’au-delà, je me prépare à brûler ma vie, à jeter ce que j’ai collectionné et accumulé pendant plus d’un demi-siècle.

Les livres, les vêtements, les films, tout doit, tout va disparaître, en cendres et en fumée.

Portrait poétique de Giorgi Shakhsuvarian, entraîneur de boxe arménien originaire de Tbilisi. Il vit et travaille en Belgique, et prépare un jeune boxeur pour les championnats d’Europe.

Le film, empli d’une profonde empathie à l’égard de ce coach, entremêle la sensation de distance, l’expérience d’un flottement dans le temps et l’espace, et l’aspect chorégraphique de la boxe.

En suivant d’antiques pratiques anatoliennes, une femme d’origine turque s’adonne à une expérience de psychanalyse sauvage : guidée par la figure mythologique du centaure Chiron, elle retraverse en rêve des fragments de mémoire, personnelle ou collective.

Le temps et l’espace se disloquent, ouvrant des passages entre différents mondes.

Elle arpente ainsi les rues du village de montagne où est née sa mère, et dont toute la population arménienne a disparu en 1915 – mais aussi les ruines d’un hôpital antique où l’on guérissait, il y a deux mille ans, par l’eau et par les rêves.

D’abord exploration de la mémoire, comme terrain de lutte contre l’oubli et les violences de l’histoire cachée, Kazarken, hanté par des voix réelles ou rêvées, est aussi un voyage à la rencontre d’un mode de pensée plus ancien, à peine enfoui : une invitation à modifier notre façon de percevoir le monde, pour pouvoir enfin rompre avec les malédictions héritées.

Le narrateur démarre le récit dans son enfance, son village natal en Flandre. Il entreprend un voyage lié au cochon qui le mène de la préhistoire jusqu’à aujourd’hui. Il passe par l’Espagne, la Chine, l’Amérique du Nord et la Belgique. Il visite un laboratoire, un musée d’histoire naturelle, un abattoir, une ferme bio, un élevage de porcs, un musée imaginaire du cochon, une usine de traitement de viandes, un territoire de chasse, etc.

L’intime côtoie l’universel.

L’histoire du cochon parle du rapport de l’homme avec l’animal, ce qu’il lui inflige et par extension ce qu’il fait subir au monde. C’est l’histoire du cochon (en nous). Les mots sonnent comme des grognements.

Ce documentaire est un regard sur notre civilisation, les différents points de vue sont abordés de façon nuancée et retenue. Le ton du film est élégiaque, on passe du doute à l’espoir.

Dans la zone évacuée autour de la centrale nucléaire de Fukushima, 5 ans après la « catastrophe », quelques rares individus vivent encore sur cette terre brûlante de radiations. Nous les suivons dans leur quotidien. Un quotidien rythmé par les travaux de « décontamination » orchestrés par le gouvernement nippon. Ceux-ci semblent bien dérisoires face à l’étendue du séisme tant humain qu’écologique. L’existence apparemment déraisonnable mais paisible de ces irréductibles nous rappelle qu’un bout de terre est, en dernier recours, notre lien le plus sûr au monde.

Le champ des visions est un film qui aborde le rapport de l’homme à l’animal-insecte par le biais de récits, de légendes, de souvenirs, de sensations intimes … Et qui soulève des questions: pourquoi ce monde animal exerce-t-il sur nous un tel pouvoir de fascination ou de répulsion ? Que nous apprend-il sur nous-mêmes et nos sociétés ? Notre monde perçu avec nos aptitudes sensorielles a-t-il quelque chose à voir avec celui de l’animal ? L’homme peut-il connaître l’animal-insecte ou seulement le rêver ?

Je m’appelle Rosine Mbakam, j’ai 34 ans, je suis camerounaise, j’ai grandi au Cameroun jusqu’à mes 27 ans dans le respect des traditions. En 2007, je pars pour la Belgique pour y poursuivre mes études. C’est la première fois que je quitte mon pays.

Ma mère s’appelle Mâ Brêh en Bamiléké ou encore Mâ. Elle a 68 ans et a toujours vécu au Cameroun. Elle a grandi dans le maquis où sa famille, comme beaucoup d’autres, fuyait la répression des colons français. Elle s’est mariée à l’âge de 18 ans avec un homme que ses parents lui avaient présenté.

Le film est un face à face qui confronte et questionne le choix des deux femmes. Deux générations qui se regardent, surtout deux femmes qui échangent sur leur intimité, leurs souffrances et leur désir de femme.

On appelle éternels ceux qui souffrent de la mélancolie d’éternité. Convaincus que la mort ne peut avoir raison de leurs vies, ils se croient condamnés à errer dans l’attente du jour où ils seront libérés de leur existence.

Ce film est un récit d’errances et de fuites, aux confins du Haut-Karabagh, une enclave arménienne en Azerbaïdjan. Habités par les fantômes du génocide et par la guerre qui y sévit depuis plus de vingt ans, les personnages qui traversent ce film portent en eux la mélancolie des éternels.

À 80 ans, Ronald Creagh chante Joe Hill à tue tête. Gaetano Manfredonia révèle la beauté convulsive de l’Anarchisme Expérimental (qu’il nomme éducationniste-réalisateur). Brandon Spivey et Richie Anderson font une démonstration d’Acid Hardcore dans une chambre de 3 mètres sur 4.

Des mouvements circulaires et réguliers de caméra dans des paysages témoignent d’un agir solitaire et résistant. Des architectures nous transportent dans des zones utopiques silencieuses.

Et régulièrement, des rires, des enfants, des explosions, des images anciennes de rave parties au milieu de nulle part nous convoquent à une vitalité sans limite. Une sourde clarté émerge de tout cela: obéir ? A quoi bon.

L’artiste sonore et comédien de nonante ans Henry « Sandy » Jacobs, et son vieil ami excentrique et voisin, l’architecte Daniel Liebermann, mènent une existence décalée sur une montagne au nord de la Californie.  Sandy, le sage doux-dingue, vit dans l’instant présent, tandis que Liebermann est débordé de projets inachevés et d’aspirations inassouvies. Ces anticonformistes, chacun à leur manière, sont en perpétuelle quête de perfection.

Tremor se déploie sous l’impulsion des voix qui le traversent – celles des poètes et des fous, d’une mère ou d’un enfant. De la pensée réflexive au récit spontané, du témoignage à la fiction, chacun prend la parole pour dire son expérience propre de la violence et du conflit. Nous les écoutons tandis que notre regard plonge dans des lieux impossibles à situer de manière fixe. Des bruits venus d’ailleurs interfèrent et les transfigurent. Poreuse et instable, la matière s’empare de l’image. Survient la musique. Tout se resserre sur la présence du pianiste avant de se diffracter à nouveau…

Tremor est un voyage sensible entre souvenir et cauchemar. Un acte de résistance.